Warum die Tonys dieses Jahr eine Auszeichnung an das Publikum vergeben sollten

Seit der Wiedereröffnung der Spielstätten wird das Theaterpublikum von allen Seiten angegriffen.

Broadway-Produzenten und künstlerische Leiter sind verärgert darüber, dass sie nicht in der Zahl vor der Pandemie auftauchen. Kritiker beklagen, dass ihr konservativer Geschmack das amerikanische Theater bremst. Schauspieler, die ihren Krieg gegen Telefone und Bonbons wieder aufnehmen, nachdem keine Maskenpflicht mehr besteht, sind wegen schlechter Etikette empört. Patti LuPone hat sich lautstark über das abgelenkte, „verdummte“ Publikum am Broadway beklagt, der ihrer Meinung nach immer mehr zu „Disneyland, einem Zirkus und Las Vegas“ wird.

Zu Beginn meiner Theaterreise nach New York in diesem Frühjahr – eine anstrengende Reise mit acht Vorstellungen in 5½ Tagen – traf ich meine Nichte für eine Matinee von „Life of Pi“. Vor dem Gerald Schoenfeld Theater in der West 45th Street herrschte buntes Treiben. Hupen erklangen, Menschenmassen drängten sich und der Sicherheitsdienst rief den Ticketinhabern zu, sich in die richtige Schlange zu stellen.

Ich scherzte in mürrisch-onkelhafter Manier, dass das Schlimmste an meinem Job manchmal die Öffentlichkeit sei. Aber nach meinem Aufführungsmarathon verließ ich die Stadt mit großer Dankbarkeit gegenüber meinen Theaterkollegen für ihr aufrichtiges Lachen, die Ernsthaftigkeit ihrer Aufmerksamkeit, die Großzügigkeit ihrer Emotionen und den liebenswürdigen Applaus.

Theater ist sowohl eine Kunstform als auch ein Marktplatz, und Käufer von Broadway-Tickets haben schon lange ein schlechtes Geschäft gemacht. Abgesehen von den lächerlichen Eintrittspreisen, dem Ausbeuten von Zugeständnissen, der Transporthölle, den unzureichenden Sanitäranlagen und den Sitzplätzen in der Folterkammer gibt es noch die allgemeine Verachtung, die den Theaterbesuchern entgegengebracht wird, weil sie nicht wissen, was für sie gut ist.

Die Aufmerksamkeit muss auf das Kernpublikum gerichtet werden, das durchgehalten hat und diese alten Veranstaltungsorte mit seinem erfahrenen Lachen und Einfühlungsvermögen füllt. Die Tony Awards am Sonntag sollten der Liste des Abends wirklich einen weiteren Preis hinzufügen – eine besondere Auszeichnung für den treuen Broadway-Theaterbesucher, ohne den alle gefeierten Spitzenleistungen des Jahres so bedeutungslos wären wie der sprichwörtliche Baum, der in den Wald fällt, ohne dass jemand da ist es zu hören.

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Das Musical „Manche mögen’s heiß“ führte mit 13 Tony-Nominierungen. „Kimberly Akimbo“, die kritische Wahl für das beste Musical, erhielt 8 Punkte. Tom Stoppards Theaterstück „Leopoldstadt“, „Ain’t No Mo‘“ und die Wiederaufnahme von „A Doll’s House“ erhielten jeweils sechs Auszeichnungen.

Es gibt keinen Sound im Showbusiness, der so knisternd ist wie in einem überfüllten Broadway-Haus. Sicherlich ist es in den Arenen lauter und in den Stadien ausgelassener, aber wenn es um ironische Wachsamkeit und urbanes Urteilsvermögen geht, ist es schwer, ein Theaterpublikum zu schlagen. Die Virtuosität dieser Gruppe wird nicht nur anerkannt, sondern auch formal anerkannt.

Als Lea Michele zu Beginn der Herbstsaison die Rolle der Fanny Brice in der Wiederaufnahme von „Funny Girl“ übernahm, hätte die Spannung im Publikum das gesamte Theaterviertel mit Strom versorgen können. Michele lieferte eine Meisterleistung ab, aber die Energie, die von der Bühne im August Wilson Theatre ausging, wurde mit Interesse erwidert. Es herrschte ein weitverbreitetes Bewusstsein dafür, dass etwas Bedeutendes geschah. Alle um mich herum – von denen die große Mehrheit ein königliches Lösegeld bezahlte, um dort zu sein – wussten, wie viel Glück sie hatten, diese perfekte Verbindung von Darsteller und Rolle zu erleben.

Ich hatte das ähnliche Gefühl, dass sich auf derselben Reise letzten Oktober etwas Außergewöhnliches abspielte, als ich „Leopoldstadt“ sah, Tom Stoppards für den Tony nominiertes episches Drama über eine kulturell engagierte jüdische Familie in Wien, die im Holocaust fast vollständig ausgelöscht wurde. Dies ist ein Werk, das nur Stoppard hätte schreiben können. Ich sage das nicht wegen der autobiografischen Ursprünge des Stücks, sondern wegen seiner großartigen verbalen Gestaltung, die den sich verändernden europäischen Zeitgeist in etwas einfängt, das man nur als eine Reihe von Konversations-Ölgemälden bezeichnen kann.

Das Publikum, das auf das historische Pathos eingestellt war, war ebenso aufmerksam auf den Witz von Stoppards Dialogen und wollte keinen Moment des Geplänkels verpassen, das in glitzernder theatralischer Form eine verschwundene Welt wieder auferstehen lässt. Die Atmosphäre gedämpfter Ehrfurcht wurde durch den intellektuellen Humor eines achtzigjährigen Dramatikers auf der Höhe seines Könnens nur noch verstärkt. Stoppards weitreichende Vision wurde mit einem Broadway-Empfang belohnt, der der Tiefe des Dramas entsprach.

Das New Yorker Publikum hat zahlreiche Aufführungen von Stephen Sondheim und James Lapines „Into the Woods“ gesehen. Aber die Wiederaufnahme von Lear deBessonet (die später in diesem Monat im Ahmanson Theatre stattfand) ließ diese musikalische Dekonstruktion klassischer Märchen wie neu erfunden erscheinen.

Der Humor war so frisch und die Regie so belebend, dass die Wiederaufnahme einer wechselnden Besetzung Platz bot. Als ich die Produktion rund um die Weihnachtsfeiertage sah, war Sara Bareilles, die die Frau des Bäckers spielte, nicht mehr in der Firma. Doch ihre Nachfolgerin war niemand Geringeres als die Tony-Gewinnerin Stephanie J. Block, eines der brillantesten Musical-Theatertalente der Gegenwart.

Dies war wirklich eine Ensemble-Angelegenheit, aber einige Auftritte hinterließen unauslöschliche Eindrücke. Brian d'Arcy James in all seiner großartigen Skurrilität als Bäcker; Gavin Creel, der sowohl dem räuberischen Wolf als auch dem gecken Prinzen von Aschenputtel eine unverwechselbare Prahlerei verleiht; Joaquina Kalukango, die die Hexenhymnen in den dunklen Himmel dröhnt; und die urkomische Katy Geraghty als das dreiste Rotkäppchen, das ich je beim Herumtollen zu Großmutters Haus im Wald gesehen habe.

Verzeihen Sie mir, dass ich die anderen Darsteller außer Acht gelassen habe (Alysia Velez‘ Rapunzel, Joshua Henrys Rapunzels Prinz!), die unabhängig davon, wann sie zur Produktion kamen, Teil eines nahtlosen Ganzen waren. Aber ein unschätzbar wertvoller Theaterpartner darf nicht fehlen – das Publikum, dessen stimmliche Freude dieses Theatererlebnis im St. James Theatre zum schönsten Weihnachtsgeschenk machte, das ich letztes Jahr bekommen habe.

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Schauspieler Ben Platt und seine „Parade“-Co-Stars sagten, sie würden nach antisemitischen Protesten nicht davon absehen, Leo Franks Geschichte am Broadway zu erzählen.

„Parade“ hatte mit Abstand das ruhigste Broadway-Haus, das ich auf meiner Frühlingsreise gesehen habe. Schweigen kann manchmal ein Zeichen der Loslösung sein. Dies war hier kaum der Fall.

Deutlich zu hören war im Bernard B. Jacobs Theater die Konzentration des Publikums, das Alfred Uhrys und Jason Robert Browns komplexes Musical über die historische Tragödie von Leo Frank (Ben Platt) verfolgte, einem jüdischen Fabrikmanager im Süden, der abscheulicher Taten für schuldig befunden wurde Verbrechen begangen und schließlich gelyncht, nachdem das Verfahren gegen ihn enorme Risse aufweist.

Platt lobt Regisseur Michael Arden für die Umwandlung des Prozesses in einen kollektiven Zeugenakt. Die Art und Weise, wie die Mitglieder des Unternehmens in der Lage sind, das Geschehen zu verfolgen, lädt das Publikum dazu ein, dasselbe zu tun, erklärte Platt. Platt, der während der gesamten Pause als eine Art menschliches Zurschaustellung der Ungerechtigkeit auf der Bühne bleibt, sagte, dass Schauspieler und Publikum am Ende fast eins geworden seien.

Am anderen Ende der Dezibelskala steht die Neuinszenierung von „Sweeney Todd: Der teuflische Barbier aus der Fleet Street“ mit Josh Groban und Annaleigh Ashford im Lunt-Fontanne Theatre. Grobans begeisterte Anhänger schaffen eine konzertähnliche Umgebung. Der Jubel beginnt bereits, bevor Sweeneys Auftritte zu Ende sind. Die Fans sind so aufgeregt, Groban in der Rolle des mörderischen Friseurs im Musical-Thriller von Sondheim und Hugh Wheeler zu sehen.

Aber anstatt die Akribie der Darbietungen zu schmälern, scheint die Begeisterung das Kaliber nur zu steigern. Seit der Premiere von „Hamilton“ am Broadway im Jahr 2015 habe ich in einem Veranstaltungsort keine solche Lebendigkeit gespürt. Thomas Kail führte übrigens sowohl beim Lin-Manuel Miranda-Musical als auch bei dieser zufriedenstellenden Wiederaufnahme Regie, und sein geschickter Einsatz erdbebenträchtiger Theatralik gebührt dem Verdienst Talent.

Groban war stets bescheiden und betonte, dass die Akklamation nicht nur ihm galt. Er führte dies auf die herausragende Leistung des Ensembles und das neue Publikum zurück, das hinzugekommen ist.

„Was uns so unglaublich überrascht hat, ist, wie viele Keuchen und ‚Oh mein Gott‘ wir im Publikum hören“, sagte er. „Am Ende liege ich da und denke: ‚Oh, das haben sie noch nie gesehen.‘“

Die Theaterwissenschaft, die einen freien Energiefluss zwischen Proszenium und Zuschauerraum ermöglicht, wird in „Fat Ham“, James Ijames' mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnetem Riff zu „Hamlet“ im American Airlines Theatre, fachmännisch eingesetzt. Marcel Spears, der die Hamlet-Figur Juicy spielt, unterbricht regelmäßig ein Grillfest im Hinterhof, um das Publikum über die Neo-Shakespeare-Situation zu informieren, die schnell ihren Siedepunkt erreicht.

Selbstgespräche können so aufgeführt werden, dass das Publikum auf Distanz bleibt. Aber „Juicy“ von Spears nutzt diese Durchbrüche in der vierten Wand, um das Publikum einzuladen. Der Ton ist locker und komisch, was es uns leicht macht, unsere Wachsamkeit im Stich zu lassen. Doch bevor wir es merken, werden wir in die Frage verwickelt, ob eine Geschichte unbedingt eine Tragödie sein muss. Haben wir die Macht, die Komödie der Katastrophe vorzuziehen und uns dadurch einen weiteren Tag zum Stümpern zu gönnen?

Der Gemeinschaftsgeist von „Fat Ham“ war der perfekte Abschluss einer Reise, die mich mit einem erfrischenden Gefühl der Kameradschaft erfüllte. Auch wenn mir lange Toilettenschlangen oder der Umgang mit zwanghaften SMS-Schreibern und lärmenden Nachzüglern immer noch nichts ausmacht, verdient das Broadway-Publikum seine eigene Anerkennung dafür, dass es die Höhepunkte so viel höher gemacht hat, als es sonst in dieser Saison der Fall gewesen wäre. Der ganze Stress und die Anspannung eines Theaterbesuchs lassen nach, sobald das Licht ausgeht und ein Raum voller Fremder gemeinsam in Erwartung der Magie einatmet.